Autor: Berit Glanz

Geisterbeschwörung – Über Technologie, Geschichte und einen neuen Beatles-Song 

von Berit Glanz

43 Jahre nach John Lennons Ermordung im Dezember 1980 und 22 Jahre nach dem Tod von George Harrison wurde Anfang November zum vermutlich allerletzten Mal ein Beatles-Song veröffentlicht. Das Interesse für den neuen Song zeigt sich in den vielen Millionen Aufrufen bei den etablierten Streaming Plattformen. Auch das von Peter Jackson gedrehte Musikvideo zum Song wurde bereits viele Millionen mal angeklickt.  Für Fans der Beatles war das jetzt erschienene Lied keine  Überraschung, war er doch bereits in den 1990er Jahren als möglicher neuer Beatles-Song im Gespräch gewesen. Damals wurde die Arbeit an “Now and Then” jedoch abgebrochen, weil die Aufnahmebänder zu stark rauschten und George Harrison unzufrieden mit der Aufnahmequalität war. Auf den 1995 und 1996 veröffentlichten Anthology-Alben gab es deswegen nur zwei neu produzierte Songs: “Free as Bird” und “Real Love.”

Für alle drei nach Lennons Tod produzierten Beatles-Songs waren Aufnahmebänder, die Yoko Ono an McCartney weitergegeben hatte, die Grundlage. Die Lieder sind also keine Lennon/McCartney Ko-Produktionen, sondern Solostücke von Lennon, die durch nachträgliche Überarbeitung und Produktion zu Beatles-Songs gemacht wurden. Schon damals wurde die merkwürdige Geisterhaftigkeit der Songs kritisiert. Lennons Stimme klingt tatsächlich etwas hohl, die Aufnahmequalität der Bänder ließ sich trotz technischer Fortschritte nicht ausgleichen. In den Charts konnten sich die zwei für Anthology veröffentlichten Songs nicht ganz so stark durchsetzen, wie man es von Beatles-Songs erwartet hatte. 

Für mich als Teenager waren die beiden neuen Beatles-Lieder jedoch eine Offenbarung, weil sie mein zu diesem Zeitpunkt schon einige Jahre währendes Fandom in die Gegenwart holten. Gleichzeitig verwies der unheimliche Sound von Lennons Stimme darauf, dass diese Band überhaupt nichts in dieser Gegenwart verloren hatte. Ich weiß nicht, was mich dazu gebracht hat, meine frühen Teenage-Jahre mit einem völlig hypertrophierten Beatles-Fandom zu verbringen, aber irgendwann war ich auf Beatles Schallplatten gestoßen und hatte meine eigene Boyband gefunden. Während der supermelodiöse Pop von Take That die Charts dominierte und mit Nirvana eigentlich der heilige Gral performativen Außenseitertums für rebellierende Teenager zur Verfügung stand, verwendete ich meine Zeit auf Bleistiftportraits der einzelnen Beatles, ein detaillierter Linolschnitt mit Paul McCartneys Gesicht vergilbt vermutlich gerade noch in einer meiner Schubladen. 

Fandom für Bands der Vergangenheit hat immer auch den Nebeneffekt, dass man damit die eigene Distanz vom Zeitgeist markieren kann. Man hört eben nicht das, was gerade modisch ist, sondern imaginiert sich in eine andere Dekade. Teenager verwenden seit jeher nostalgische Retro-Ästhetiken, um einen Ausdruck für das eigene Entfremdungsgefühl zu finden. Dass ich als Teeanger deswegen von gerührten Alt-68ern mit Schallplatten beschenkt wurde, nahm ich Nebeneffekt gerne in Kauf. Der menschgewordene Empfehlungsalgorithmus – Wenn du die Beatles magst könntest du auch Deep Purple gut finden – verfehlte jedoch das Ziel, denn natürlich ging es bei meinem Fandom nicht um den Sound einer Dekade, sondern um das Schwärmen für Musiker aus der Vergangenheit, die gerade wegen ihrer Unerreichbarkeit attraktiv erschienen. 

Meine Fantasien und Träume kreisten natürlich nicht um den von mir als beinahe peinlich alt empfundenen Paul McCartney oder den grauhaarigen George Harrison der Gegenwart. Alle erotische Energie dieses Fandoms richtete sich auf Männer, die selbst in meinem Kopf schwarz-weiß und zweidimensional waren und deswegen auf keine Art und Weise bedrohlich für mein dreizehnjähriges Ich im Jugendzimmer (kein norwegisches Holz, dafür Buche-Furnier) der 1990er waren. 

Einige Jahre später war ich einige Abende als Komparsin bei Beatles-Nostalgiekonzerten tätig und spielte eine von der Beatlemania ergriffene Jugendliche der 60er Jahre. Auf der Bühne in einer Gruppe junger Mädchen Sätze wie “Joooohn I love you” zu schreien, führte mir nochmal drastisch vor Augen, dass meine frühere Beatles-Obsession nicht viel damit zu tun hatte, Teil einer Manie sein zu wollen. Die Fan-Energie für eine schon lange vergangene Band war so zufriedenstellend, weil sie einer Schatzsuche glich: Ich las alle Bücher, die es zu den Beatles gab, sammelte alte Postkarten mit Beatles-Bildern und kaufte alle Beatles-Filme auf VHS, um sie dann unzählige Male anzuschauen. Mein Fandom war die Suche nach Geistern in historischem Material und zwischen den Zeilen der Texte. Deswegen passte die Geisterhaftigkeit der Anthology-Songs so gut zu dem Bedürfnis, das mein Fandom erfüllte: ziellose Nostalgie für Vergangenheitsfetzen, die ich als identitätsstiftend empfand. 

Für diese Form von Hexenbrett-Nostalgie eignen sich Musikaufnahmen perfekt, denn Musik zu hören ist immer auch Geisterbeschwörung. Mit Hilfe von Speichermedien, Schallplatten, MP3s oder Notenblättern, kann Musik abgerufen werden, auch wenn die Komponist*innen schon lange nicht mehr unter den Lebenden weilen. Ich denke oft daran, dass die initiale Reaktion vieler Menschen auf die Aufnahme ihrer eigenen Stimme, die der Phonograph im späten 19. Jahrhundert mit simplen Wachswalzen möglich gemacht hatte, faszinierter Grusel war. Es fällt aus heutiger Perspektive schwer sich vorzustellen, wie sich die ersten Begegnungen mit mediatisierten menschlichen Stimmen anfühlten. Wie es auf die Menschen wirkte, plötzlich der gespeicherten Stimme eines verstorbenen Menschen begegnen zu können. Der technische Wandel hatte eine neue Variante von Geistererscheinung möglich gemacht. Statt Musik ausschließlich live rezipieren zu können, war es nun möglich, aufgenommenen Stücken zu lauschen. Das Hören von Platten, später Musikkassetten, CDs und Live-Streams veränderte nicht nur die Musik selbst, sondern auch unsere Formen der Erinnerung.   

Mit neuen Aufnahmentechnologien konnte man die Stimmen der Toten in seine private Räume holen, Musik wurde zu einer intimen Erfahrung, die auch den Trauerprozess veränderte, wenn beliebte Künstler*innen starben. Ich erinnere mich daran, wie ich am Todestag von Amy Winehouse ihr letztes Album rauf und runter hörte. Die stimmliche Präsenz der von mir sehr geschätzten Sängerin empfand ich als tröstliches Erbe, das niemand uns, ihren traurigen Fans, nehmen konnte. Dabei gibt es in der langen Musikgeschichte unzählige populäre Sänger*innen, deren Stimme niemals auf Tonträgern konserviert werden konnte, weil die Technologie zu ihrer Lebenszeit noch nicht entwickelt worden war. 

Legendären Opernsängerinnen und -sänger, wie beispielsweise der schwedischen Operndiva Jenny Lind oder der in der Mitte des 19. Jahrhunderts erfolgreichen Schwarzen Opernsängerin Elizabeth Greenfield, können wir nur in den Beschreibungen ihrer Zeitgenossen begegnen. Die Geister aus der Zeit vor dem technologischen Durchbruch der Schallplattenaufnahme verweigern sich der Beschwörung auf den Plattentellern der Gegenwart. Findet der technologische Fortschritt erst nach tiefgreifenden kulturellen Veränderungen statt, dann verschwinden Musiktraditionen in der Geschichte. Ein gutes Beispiel dafür ist die Tradition des Kastratengesangs, die für viele Jahrhunderte die Musik prägte. 

Nicht nur Händels und Monteverdis Opern sind für Castrati geschrieben, bis in das 19. Jahrhundert hinein wurden Jungen „sopranisiert“, um den Stimmbruch zu verhindern und sie potenziell zu erfolgreichen Sängern zu machen – potenziell vor allem deswegen, weil unklar und in der Forschung umstritten ist, wie viele Kastrationen überhaupt vorgenommen wurden, weswegen sich nicht eindeutig sagen lässt, ob der schwere verstümmelnde Eingriff zwangsläufig eine gut bezahlte Karriere nach sich zog. Diese menschenunwürdige Praxis ist Gott sei Dank beendet, auch wenn das bedeutet, dass zu einem bestimmten Stil der Musikgeschichte gegenwärtig kein Zugang mehr gefunden werden kann. Von nur einem einzigen Kastratensänger existieren überhaupt Tonaufnahmen: Alessandro Moreschi singt auf zwei Aufnahmen aus den Jahren 1902 und 1904. Die Kastratenstimmen aus der Zeit des bel canto sind in der Vergangenheit verschwunden.

Die 90er Jahre, in denen aus den Lennon-Tonbandaufnahmen Beatles-Songs produziert wurden, sind auch das Jahrzehnt, in dem versucht wurde, eine Kastratenstimme mit Computern zu erzeugen. Für den Film Farinelli von 1994, der die Biographie des berühmten Sängers erzählt, wurde aus zwei modernen Gesangsstimmen, einer Sopranistin und einem Countertenor, eine künstliche Kastratenstimme gemischt und die Mareschi-Aufnahmen konsultiert. 

Jeder technische Fortschritt im Bereich von Aufnahmetechnik und digitaler Bearbeitungsmöglichkeiten wird verwendet, um historische Stimmen in die Gegenwart zu transportieren. Der mit einem CT-Can modellierte Stimmapparat einer Mumie wurde vor einigen Jahren in Leeds mit dem 3D-Drucker nachgebildet, um zu hören, wie die vor 3000 Jahren verstorbene Person geklungen hat und auch die Stimme des Ötzis sollte mit technischen Mitteln wieder hörbar gemacht werden. 

Die aktuelle Entwicklung im Bereich des maschinellen Lernens macht auch vor Stimmbearbeitungen nicht halt. Es werden jedoch nicht nur Stimmen der Gegenwart manipuliert, sondern auch historische Aufnahmen für eine gegenwärtige Rezeption nachbearbeitet. Die Aufnahmen des Kastraten Alessandro Moreschi wurden beispielsweise mit digitalen Mitteln geglättet und auf Youtube hochgeladen, wo in vielen Kommentaren Grusel über die akustische Begegnung mit dem historischen Phänomen geäußert wird.  

Auch die schlechte Tonbandaufnahme von “Now and Then” wurde AI gestützt nachbearbeitet, sodass Tonlagen separiert werden konnten. Dennoch oder vielleicht gerade deswegen war es Paul McCartney so wichtig zu betonen, dass die Musik in dem Lied vollständig real ist und alle vier Beatles an der Aufnahme beteiligt waren. Wie schon bei “Free as a Bird” und “Real Love” ist diese Authentizitätsbeteuerung meiner Meinung nach aber völlig unnötig, weil es bei den neu produzierten Beatles Songs viel eher um Geisterbeschwörung geht als um einen authentischen Bandauftritt.

Die unheimliche Gleichzeitigkeit des Nichtgleichzeitigen, die “Now and Then” schon im Titel enthält, wird in dem Musikvideo für den Song perfekt zum Ausdruck gebracht: Neben den alten Herren Ringo Starr und Paul McCartney tauchen alte Aufnahmen von Lennon und Harrison auf. Technischer Fortschritt wird für Zeitgenossen dann spannend, wenn er sich unheimlich anfühlt. Der britische Science-Fiction Autor Arthur Clarke hat das zu Beginn der 1970er als drittes seiner Clarkeschen Gesetze folgenderweise formuliert: “Jede hinreichend fortschrittliche Technologie ist von Magie nicht zu unterscheiden.” Mit Blick darauf haben die verbleibenden zwei Beatles es mit ihrem neuen Song geschafft, sich als Band jenseits der Limitierungen linearer Zeitlichkeit zu präsentieren und ihre eigenen Geister zu beschwören. 

7 Lessons for Creative Digital Artists in 2022

There is no one-size-fits-all answer for achieving success as a digital designer or artist. However, by learning from the experiences of those who have succeeded in this field, you can put yourself in a better position to achieve your own goals. In this blog post, we will explore seven lessons that will help you become a successful digital designer or artist in 2022.

What does it take to be a successful digital artist in 2022? Based on what we know today, here are seven lessons you’ll need to learn. Whether you’re just starting out or you want to make a career change, these tips will help you reach your goals!

So what does it take to be a successful?

There are several lessons that will help you on your way. Of course, these are just some basics – keep learning and evolving as an artist, and you’ll be set for success!

This is digital art from a new emerging artist.

It’s 2022 and the world has gone digital. More and more people are working from home thanks to advances in technology, making it possible for them to do their jobs remotely. The number of digital artists has exploded, and those who are successful are reaping the benefits.

Do you think the quality of traditional artwork will ever be surpassed by the quality of digital art?

But what does it take to be a successful digital artist in 2022? Here are seven lessons you need to know.

This is the year that art meets technology in a beautiful and transformative way, allowing artists to create awe-inspiring pieces that never existed before. But what does it take to become a successful digital artist in this brave new world? Here are seven lessons to help you get there.

Conclusion

If you are an artist looking for some insight on how to thrive in 2022, these seven lessons may be able to help. Whether your goal is to become a successful digital artist or just want more information about the industry as it changes over time, this blog post will provide valuable insights into what skills and knowledge sets will best serve you in 5 years from now. Let’s take a look at all of them together!

What is Your Design Process Going to Look Like in 2022?

As a designer, you’re always seeking to stay ahead of the curve and future-proof your career. But what does that look like? What will the design landscape be like in 2022? In this article, we take a look at some of the trends that are shaping the industry and how you can prepare for them. So get ready tofuture-proof your process!

In the design world, change is constant. With new technology and software hitting the market every day, it can be tough to keep up with the latest trends, let alone try to predict what they will be. So, what will the design process look like in 2022? In this post, we take a look at some of the predicted trends for graphic and web design.

How does our work change with our environment

As a designer, you’re always seeking to stay ahead of the curve and future-proof your career. But what does that look like? What will the design landscape be like in 2022? In this article, we take a look at some of the trends that are shaping the industry and how you can prepare for them. So get ready to future-proof your process!

Why do some designers prefer working remotely

Designers are a unique breed. Some love the freedom and flexibility of working remotely, while others crave the social aspect of an office. So what makes one designer prefer one type of work environment over another? Let’s take a look at some common reasons why designers might prefer to work remotely or in an office.

We all know that there are pros and cons to both working remotely and having an office set-up. But what makes some designers prefer one option over the other? In this post, we’ll explore the reasons why some designers might prefer remote work, and why others might prefer an office environment. We’ll also discuss the benefits of each option so that you can make the best decision for your own career.

What are some of the pros and cons

No matter what design space you work in, there are pros and cons to the various types. Graphic designers have to worry about file size and ensuring that their designs are compatible with different browsers, while web designers have to make sure their code is clean and easy to read. Interior designers need to know how to create 3D models and renderings, while fashion designers need to be able to sew and create patterns. What are some of the pros and cons of each type of design space? Keep reading to find out.

Conclusion

When it comes to design, there are a few different types of spaces to choose from. Each type has its own set of pros and cons, so it can be tough to decide which is the best fit for your project. In this blog post, we’ll take a look at each type of space and discuss the benefits and drawbacks of each one. So, whether you’re choosing a workspace for the first time or just trying to decide if a coworking space is right for you, read on for some helpful tips!

Design Entrepreneur Challenges You Should Follow this Year

As we enter into a new year, it’s always fun to set resolutions and challenges for ourselves to help keep us motivated and on track. If you’re a designer, or aspire to be one, here are some design entrepreneur challenges you should follow this year!

As a creative person, you’re probably always looking for new challenges to push your boundaries and grow as an artist. Here are some great design entrepreneur challenges to take on in 2022.

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Top Fonts For Designers in 2022

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10 Ways to Improve Your Graphic Design Workflow

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20 Ways to Increase Revenue With Art

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50 Ways to Make an Art Event Great

IIf you’re an artist, all you need is a space and some people to show your work. That’s what makes art events so great- they can be anywhere and everywhere! In this post, we’ll give you 50 ways to make your art event stand out from the rest. From catering to promotion, we’ve got you covered! Read on for tips that will help make your event unforgettable.

Creating and hosting art events can be a great way to bring together artists and their fans, and to promote creativity. But putting on a successful event takes more than just hanging some artwork on the walls. Here are 50 tips to help make your art event great!

There’s no doubt that throwing an art event is a lot of work. But with a little creativity and some planning, it can be a hugely successful and rewarding experience for everyone involved. Here are 50 ways to make your art event great!

Most people think that art teachers just teach kids how to paint and draw, but there is so much more to it than that. Art teachers can help students learn about history, culture, and even themselves. Here are four things that art teachers should really be teaching their students.

Every time I walk into an art classroom, I am always impressed by the variety of mediums and techniques that the students are using. From painting to sculpting to printmaking, there is always something new and exciting happening in art class. As an artist myself, I can say with certainty that art teachers are some of the most creative people on the planet. But what should they really be teaching you? In this post, we will explore three important things that every art teacher should be imparting to their students. Keep reading to learn more!

Teachers often get a bad rap. They are seen as those people that society forces upon us at an early age, and we have to put up with until we’re „old enough“ to move on. But what if I told you that some of the most interesting, life-changing moments can come from your time in school? Especially if you have a great teacher. In this blog post, I’ll be discussing the importance of art education and what art teachers should really be teaching you. Stay tuned!

Conclusion

We’ve reached the end of this blog post and we hope you’re feeling inspired. These 50 tips should help make your next event a success, but don’t stop here! There are plenty more great ideas to find online or in bookstores that will provide an extra level of expertise for any type of art show, gallery opening, or other public exhibition. Keep these tools close by and use them as needed because there is no such thing as too much preparation when it comes to making your art events even better than they already are. Remember- successful artists know how important every detail is; so do we! Now go ahead and start planning your next big night out with all these insights fresh in mind.

How Digital Technology Has Affected the Art World

From the invention of the camera to Instagram, digital technology has had a profound impact on the art world. Pablo Picasso once said, „Everything you can imagine is real.“ With digital technology, we can now create and share our artistic visions with the world in ways never before possible. Whether it’s using Photoshop to create a masterpiece or posting a selfie on Instagram, digital technology has forever changed how we experience and interact with art.

In the age of digital technology, almost everything is done on a screen. We shop online, pay bills online, and even communicate with others electronically. So it’s no surprise that the art world has been transformed by digital technology as well.

From creating new art forms to sharing artwork online, here are just a few ways that digital technology has changed the art world.

We are quickly evolving into a digital world. Technology is constantly changing and advancing, and it has affected almost every aspect of our lives. The art world is no exception. In this blog post, we will explore how digital technology has changed the way artists create their work, as well as how art is displayed and sold. We will also look at some pros and cons of these changes.

Are we losing something valuable in the age of digital technology?

Or are we simply adapting to new circumstances? Read on to find out! How has digital technology affected the art world? On one hand, it has made creating and displaying art easier than ever before. On the other hand, it has created a new way for people to consume art, often without even realizing it. In this post, we’ll explore how digital technology has changed the art world and what that means for artists and art lovers alike.

In recent years, digital technology has had a major impact on the art world. There are now many ways to create and share art online, and this has led to new opportunities for artists and collectors alike. For example, online galleries allow artists to exhibit their work to a global audience, and social media platforms allow them to connect with potential buyers. Similarly, online auctions make it easy for collectors to find unique pieces of art from around the world. Overall, digital technology has transformed the way we experience art, and this is sure to continue in the years ahead.

What is Artificial Intelligence and Why Everyone Should Start Using it Now

Artificial intelligence, also known as AI, is a term used to describe technology that allows machines to learn and work on their own. In other words, it is a way for computers to become smarter and carry out tasks that would otherwise be difficult or impossible for humans. While the concept of AI has been around for many years, it is only recently that its potential has been fully realized. As a result, businesses and individuals should start using AI immediately if they want to stay competitive in today’s world. Here are just some of the ways AI can be used:

  • To create customized recommendations for customers
  • To identify patterns in data and find trends
  • To improve decision-making processes

Artificial Intelligence is currently one of the most talked about technologies around, and for good reason. It has the potential to completely change the way we live and work. But what exactly is AI, and why should you start using it now? In this post, we’ll take a look at what AI is, what it can do for your business, and how you can get started. Let’s get started!

Artificial Intelligence and the future

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Conclusion

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